BLOC DE ARTE ARMAZON

ART PAD A G E N D A 2030 BLOC DE ARTE Dedicado a todas las personas que quieren un Mundo mejor y nunca se rinden. Dedicated to all the people who want a better World and never give up. CONSTRUYENDO JUNTOS UN MUNDO MEJOR DESDE LA MIRADA DE LOS ARTISTAS Este Bloc de Dibujo ha sido realizado con la interpretación que los artistas han hecho de sus obras sobre los Objetivos de Desarrollo Sostenible para dialogar con las personas que quieran colorearlas y reinterpretarlas. Las obras que contiene este Bloc de Dibujo forman parte del Proyecto de arte Armazón, que comenzó en la Cumbre del Clima Cop 25, de Chile celebrada en Madrid. Armazón es un Proyecto de arte de intervención social cuya finalidad es hacer llegar los Objetivos de Desarrollo Sostenible a todas las personas para difundir la Agenda 2030 como una guía o armazón para construir el Mundo, algo que ahora es mucho más necesario tras la destrucción que la pandemia de covid está causando. El Proyecto Armazón lo hemos desarrollado como Exposición de arte contemporáneo y también como Exposición de fotografías artísticas de gran formato. Hemos realizado este Bloc de Dibujo para que el Proyecto Armazón tenga un uso didáctico. Se complementa con un Catálogo de arte, puzles y videos. Dependiendo de la etapa educativa o especialidad, podemos adaptar este Bloc a petición de los Colegios, Institutos y Universidades. Margarita Asuar Presidenta de la Asociación Armazón MAKING A BETTER WORLD FROM THE EYES OF THE ARTISTS This Drawing Pad has been made with the interpretation that the artists have made of their works on the Sustainable Development Goals to dialogue with people who want to color and reinterpret them. The works contained in this Drawing Pad are part of the Armazón Art Project, which began at the Cop 25 Climate Summit in Chile held in Madrid. Armazón is an art project of social intervention whose purpose is to bring the Sustainable Development Goals to all people to spread the 2030 Agenda as a guide or framework to build the World, something that is now much more necessary after the destruction than the covid pandemic is causing. We have developed the Armazón Project as an Exhibition of contemporary art and also as an Exhibition of large-format artistic photographs. We have made this Drawing Pad so that the Armazón Project has a didactic use. It is complemented by a Catalog of art, puzzles and videos. Depending on the educational stage or specialty, we can adapt this Block at the request of the Colleges, Institutes and Universities. Margarita Asuar President of the Armazón Association Técnica Mixta, acrílicos y tintas sobre lienzo tratado en tabla AGENDA 2020 La mayor dificultad para hacer esta obra era cómo hacer para no centrarme en un solo objetivo, encontrar la manera de englobarlos todos, mi trabajo no era representar uno en concreto, sino anunciar esta Exposición. Poco a poco, al recopilar información y leer más sobre el tema, tenía más claro cual era el concepto que yo quería plasmar en el cartel y despejar la incógnita de mis preguntas: entre todos debemos construir el armazón de este Mundo del cual formamos parte y somos directamente responsables de que al final se forme tan fuerte como la palabra armazón es. En el centro del cartel, una firme madre de familia y mujer trabajadora se apoya sobre el sector anaranjado del ODS 5, igualdad de género, mientras protege a sus dos hijas. Una de ellas aun un bebé, indefenso y frágil aun inconsciente de todo lo que le rodea, y otra mayor, con una mirada desafiante y triste a la vez, pidiendo ayuda para que entre todos hagamos que tenga esa educación de calidad que nos propone el ODS 4, donde se apoyan sus pies, una educación de calidad que se traduce en un futuro mejor. La madre, impotente, nos arroja una mirada de incertidumbre mientras pregunta directamente al espectador “¿Qué Mundo queremos dejarle a nuestros hijos e hijas?”. Esa pregunta es la que yo me hago y la que nos hacemos todos. La elección de la cromática en negros azulados es para realzar la seriedad del motivo de esta Exposición En mi obra no podía faltar el circulo cromático que forman los 17 ODS y es la base donde se sustenta toda la composición, que soporta todo el peso de ese Armazón del Mundo representado con esas líneas ambiguas para que se pueda interpretar de dos modos: construcción o destrucción. Todo dependerá de nosotros que tome un camino u otro, que coja fuerza y se torne indestructible o que por el contrario se vuelva débil y vulnerable y termine quebrándose sin remedio alguno. CARTEL AGENDA 2020 YOLANDA PÉREZ ARTISTA 2030 AGENDA The greatest difficulty in doing this work was how avoid to focus on a single objective, but rather to find a way to encompass them all. My job was not to represent one in particular but to announce this Exhibition. Gradually, by gathering information and reading more about the subject, I was clearer about the concept that I wanted to express on the poster and clarify the enigma of my questions: we all must build the framework of this World of which we are part, and we all are directly responsible to build a framework as strong as the word « armazón » is. In the center of the poster, a determined mother and working woman rests on the orange color of SDG 5, gender equality, while protecting her two daughters. One of them even a baby, helpless and fragile and as yet unaware of everything around her, and another daughter, older, with both a challenging and sad look, asking for help so that we all have that quality education proposed by the SDG 4, where her feet rest, a quality education that translates into a better future. The mother, helpless, throws to us a look of uncertainty while directly asking the viewer "What World do we want to leave our sons and daughters?". That question is what I ask myself and what we all ask ourselves. The choice of color in bluish blacks is to enhance the seriousness of the questions raised by this Exhibition In my work I could not miss the chromatic circle that forms the 17 SDGs and it is the floor where the whole composition is based, which supports the entire weight of that Frame of the World represented with those ambiguous lines so that it can be interpreted in two ways: construction or destruction. Everything will depend on us, to take one path or another, to gain strength and become indestructible or, instead, to become weak and vulnerable and to end up collapsing without any remedy. POSTER 2030 AGENDA YOLANDA PÉREZ ARTIST Mixed media, acrylics and links on canvas treated in table Acrílico sobre lienzo Los desafíos contra la pobreza, la contaminación, las relaciones violentas, son también desafíos para el arte, porque desde siempre ha contribuido a hacer de este mundo un lugar más bello, más sano y coherente. El arte en todas sus manifestaciones puede y debe alinearse con los objetivos de desarrollo sostenible, tiene que ser también un instrumento con el que cooperar en la consecución de las metas de la Agenda 2030. Con un consumo más consciente y equilibrado, podríamos colaborar a hacer de este mundo un lugar mejor. No debemos dejar que la pobreza sirva para el mantenimiento de los privilegios de unos pocos, esto nos debe y debería producirnos impotencia. Somos cómplices de la tiranía mientras permanezcamos inmóviles y acomodados. "Cómplices” ELIANA MUÑOZ ARTISTA Acrylic on canvas The challenges against poverty, pollution, violent relationships, are also challenges for art, because it has always contributed to making this world a more beautiful, healthier and coherent. Art in all its manifestations can and should be aligned with the sustainable development goals, it must also be an instrument with which to cooperate in achieving the goals of the 2030 Agenda. With a more conscious and balanced consumption, we could help to make of this world a better place. We must not let poverty serve to maintain the privileges of a few, this produces and should produce impotence to us. We are accomplices of tyranny as long as we remain immobile and accommodating. “Partners in crime" ELIANA MUÑOZ ARTIST Justo al comienzo, una conversación telefónica con Margarita Asuar en torno al carácter de la exposición fue lo que orientó este trabajo. Ella se refería a cómo habitualmente son las madres las que luchan más que nadie y de manera incansable contra el hambre, con tal de alimentar a sus hijos.Me pareció una observación tan acertada como inspiradora. Este cuadro habla de eso. Ninguna madre en sus cabales abandona un hijo. En cierta manera, cada niño y cada niña que viene al mundo, o que se está preparando para nacer, es hijo de sus padres y es hijo de toda la humanidad.Este o aquel niño o niña es como hijo nuestro. No podemos dejarlo a su suerte, como no podemos abandonar a nadie, independientemente de su raza, procedencia, creencias, edad… Así debería ser. Y si fuera así, no habría hambre. No escatimaríamos esfuerzos para ayudarle, para alimentarle, para repartir mejor. La madre de este cuadro no es madre biológica del pequeño que tiene en brazos; es evidente que el color de sus pieles es muy distinto. Sabemos, por su abultado, vientre que espera a supropiohijo, pero a la vez cuida del hijo de otra madre, como cuidaría probablemente de cualquier otro niño que la necesitara. Es consciente de que cada uno es hijo de todos y debería ser hermano y madre y padre de todos. Por eso el personaje que sujeta la cuchara también cuida del pequeño. Y sonríe a quienes miramos el cuadro con la alegría de construir un Mundo sin hambre. Creo que no hace falta comentar el contraste entre esta escena y el paisaje urbano que se adivina al fondo, a la derecha, con sus grandes discursos de poder a través de la arquitectura, del orden, de la velocidad. En la esquina inferior derecha, un plato con una rama de olivo –aunque no soy muy aficionado a los símbolos convencionales- explicita que la lucha contra el hambre es parte de un proyecto más general de paz. Un vaso verde –el color esperanzado que con el azul unifica el cuadro- trasluce y refleja sobre lo que le rodea la llama de esta esperanza que es, de alguna manera, como una oración. O si se prefiere, como un deseo compartido de construir algo más justo. El objetivo de mi cuadro es hambre cero, aunque me avergüenza ser consciente de que es sólo un discurso, una obra artística. Me gustaría pensar que sirva de alguna manera para que el hambre cero deje de ser sólo un objetivo. Cada niño/a es en cierta manera hijo de todos JOSÉ PEDRO AZNÁREZ LÓPEZ ARTISTA Acrílico sobre lienzo de lino Acrylic on linen canvas Right at the beginning, a telephone conversation with Margarita Asuar about the character of the exhibition was what guided this work. She was referring to how it is usually mothers who fight more than anyone and tirelessly against hunger, in order to feed their children. It seemed to me an observation as appropriate as it was inspiring. This picture talks about that. No mother in her right mind leaves a child. In a way, every boy and girl that comes into the world, or is preparing to be born, is the son of his parents and is the son of all mankind. This or that boy or girl is like our son. We cannot leave him/her to their fate, as we cannot abandon anyone, regardless of race, origin, beliefs, age ... So it should be. And if it were, there would be no hunger. We would spare no effort to help you, to feed you, to distribute better. The mother of this painting is not the biological mother of the child she has in her arms; It is evident that the color of their skins is very different. We know from her bulky belly that she is waiting for her own child, but at the same time she takes care of another mother's child, as she would probably take care of any other child who needed her. She is aware that everyone is the son of everyone and should be brother and mother and father of everyone. That is why the character holding the spoon also takes care of the child. And smile at those of us who look at the painting with the joy of building a World without hunger. I think it is not necessary to comment on the contrast between this scene and the urban landscape that can be seen in the background, on the right, with its great speeches of power through architecture, order, speed. In the lower right corner, a plate with an olive branch - although I am not very fond of conventional symbols - makes it clear that the fight against hunger is part of a more general peace project. A green glass - the hopeful color that unifies the painting with blue - shines and reflects on what surrounds the flame of this hope, that is, in some way, like a prayer. Or if you prefer, as a shared desire to build something more fair. The aim of my painting is zero hunger, although I am aware that it is only a discourse, an artistic work. I would like to think that it serves in some way so that zero hunger ceases to be only a goal. Each child is in some way the son of all JOSÉ PEDRO AZNÁREZ LÓPEZ ARTIST Acrílico sobre lienzo En nuestras manos se encuentra la posibilidad de un mundo con salud y bienestar, un mundo sin desigualdades donde todos podamos disfrutar de una calidad de vida justa, digna y saludable. Unas manos llenas de intenciones que inyecten vida y amor a todos los que la necesiten, para conseguir un ritmo equilibrado, una necesidad incuestionable, que abra un mundo de color y felicidad, tener un derecho, tener salud y bienestar. La acción y la vida JESÚS MEDINA ARTISTA Acrylic on canvas In our hands is the possibility of a world with health and well-being, a world without inequalities where we can all enjoy a fair, dignified and healthy quality of life. Hands full of intentions that inject life and love to all who need it, to achieve a balanced rhythm, an unquestionable need, to open a world of color and happiness, to have a right, to have health and well-being. Action and life JESÚS MEDINA ARTIST Técnica Mixta La maestra camina entre las brumas del tiempo. A su paso va sembrando sabiduría y conocimiento, que fluye desde el libro de la experiencia y se extiende como una lluvia regeneradora, que hace florecer los valores y propicia el saber y la libertad de la humanidad. Camina sin detenerse, recorre el camino de la historia y sueña con un futuro más sólido para la infancia. Una lluvia de cultura al alcance de todas las letras que caen son las semillas de la libertad, que pacientemente harán florecer mañana el bosque del saber. La maestra LOLA ÁLVAREZ-DARDET ARTISTA The teacher walks through the mists of time. In her path she is sowing wisdom and knowledge, which flows from the book of experience and extends like a regenerating rain, which makes values flourish and promotes the knowledge and freedom of humanity. She walks without stopping, walks the path of history and dream of a stronger future for children. A rain of culture within the reach of all the letters that fall are the seeds of freedom, which patiently will make the forest of knowledge flourish tomorrow. Teacher LOLA ÁLVAREZ-DARDET ARTIST Mixed technique La obra está conformada por tejidos que simulan la piel de las mujeres, suspendidos, aislados… y exhibidos en planchas transparentes para acentuar su aspecto de vulnerabilidad. Esa apariencia de fragilidad y reclusión se contrapone a la fuerza del metal que sustenta y ensambla las diferentes piezas como símbolo de la unión de las mujeres frente a la opresión, sumisión, vejación, desigualdad e injusticia. Formando un elemento compacto dotado de fuerza, la representación de las secuelas de una lucha en las que las mujeres se han dejado la piel, modifica su significado para describir el potencial y la energía de la mujer en su camino hacia la libertad. La disposición de piezas (aun) separadas del cuerpo central alude a la llamada a la acción, porque para conseguir una sociedad justae igualitaria donde las mujeres podamos decidir con plenos derechos y libertad sobre nuestro cuerpo, nuestra vida y nuestro entorno todavía falta un largo trecho. La Igualdad de Género no es solo un derecho fundamental, sino la base necesaria para lograr un mundo pacífico, próspero e íntegro, pues cuando las mujeres conseguimos asegurar nuestros derechos, así como el acceso a los recursos, somos poderosas agentes para avanzar hacia el desarrollo sostenible: el económico, el social y la protección ambiental. Y avanzaremos hacia ese mundo mejor, aunque nos estemos dejando la piel en el camino. Dejarse la piel MUJERES DOS ROMBOS Artistas Escultura collage sobre planchas de metacrilato We have been shaping this work with fabrics that simulate the skin of women, suspended, isolated... and displayed on transparent plates in order to accentuate their aspect of vulnerability. This produces an appearance of fragility and seclusion that contrasts with the strength of the metal that sustains and assembles the different pieces as a symbol of the union between women in the face of oppression, submission, vexation, inequality and injustice. We have tried to form a compact element endowed with strength, which represents the aftermath of a struggle in which women have left their skin, not forgetting a second meaning that describes the potential and energy of women on their way to freedom. The disposition of separate pieces of the central body refers to the call to action, because in order to achieve a fair and equal society where women can decide with full rights and freedom over our body, our life and our environment there is still a long way to go. Our message is clear: Gender Equality is not only a fundamental right, but the necessary basis to achieve a peaceful, prosperous and complete world, because when women manage to secure our rights, as well as access to resources, we are powerful agents to move towards sustainable development: economic, social and environmental protection. And we will move towards that better world even if we leave the skin on the road. Let the skin MUJERES DOS ROMBOS Artists Sculpture collage on metacrylate sheets Mixta sobre madera Estimadas señoras y señores del occidente desarrollado o “primer Mundo”: Para tener empatía con la situación que viven a diario cientos de millones de personas del “último mundo” les pido que por un momento imaginen que a ustedes les cortan el agua en su vivienda definitivamente, quedándose sin agua para beber ni para ducharse y también les quitan el retrete y tuvieran que hacer sus necesidades a la intemperie (con la correspondiente falta de higiene y de intimidad que eso conllevaría). Y, además, imaginen que si quisieran tener algo de agua en casa (aunque a veces no sea potable del todo) tuvieran que andar varios kilómetros cargados con los pesados recipientes que la contienen todos los días ... ¿Entienden ahora un poco mejor la importancia del derecho al agua y al saneamiento? Wanted water (Danaides hídricas con Menina letrina) PEPE YAGÜES ARTISTA Dear ladies and gentlemen of the developed West or "first World": To empathize with the situation that hundreds of millions of people in the “last world” live daily, I ask you to imagine that for a moment the water in your home is cut permanently, running out of water to drink or shower. Also they remove the toilet and you have to do your necessities outdoors (with the corresponding lack of hygiene and privacy that would entail). And, in addition, imagine that if you wanted to have some water at home (although sometimes not drinkable at all) you have to walk several kilometers loaded with the heavy containers to carry water every day ... Now, do you now understand a little better the importance of the right to water and sanitation? Wanted water (Water danaides with Menina letrine) PEPE YAGÜES ARTIST Mixed on wood La energía surge desde nuestro interior, es la luz y el movimiento, el reposo, el sitio cálido en invierno, fresco en verano. Allí donde nuestro cerebro se refugia de toda agresión y descansa, duerme en paz. Esa luz viene del viento, que mueve turbinas, del agua que surca senderos subterráneos y secretos y de un enorme generador cósmico que llamamos astro rey. Nosotros quisiéramos desechar la idea de vivir, de movernos gracias a la combustión de plantas muertas hace miles de años, que esa substancia negra y oleosa deje de ser imprescindible para las modernas sociedades que miran un futuro limpio más allá del tiempo. Que esos subterráneos gusanos negros dejen de horadar el planeta y nunca más tengamos que ver la terrible combustión del aceite de piedra en horizontes desérticos y los cielos negros del invernadero viciado. Acabarán las guerras de la energía oscura, acabarán en los luminosos esplendores de los rayos solares, en corrientes tumultuosas de agua pura y la sangre azul de la tierra se acompasará a los latidos de nuevos corazones en el mundo por venir. NRG#1 ALBERTO CEREZO ARTISTA Técnica Mixta Energy arises from within us, it is light and movement, rest, the warm place in winter, cool in summer. Where our brain takes refuge from all aggression and rests, and sleeps in peace. That light comes from the wind, which moves turbines, from the water that crosses underground and secret paths and from a huge cosmic generator that we call the Astro King. We would like to discard the idea of living, of moving thanks to the combustion of plants dead thousands of years ago, that this black and oily substance ceases to be essential for modern societies that look to a clean future beyond time. That these underground black worms stop eroding the planet and that we never again have to see the terrible combustion of stone oil in desert horizons, and the black skies of the vitiated greenhouse. The wars of the dark energy will end, they will end in the luminous splendors of the solar rays, in tumultuous currents of pure water and the blue blood of the earth will be accompanied by the beating of new hearts in the world to come. NRG#1 ALBERTO CEREZO ARTISTA Mixed technique Esta obra es el final de un proyecto que se inició en 2016, llamado “Personajes Ilustres de Vélez Málaga, mi familia y sus descendientes”: un trabajo artístico terapéutico para sanar emociones y herencias ancestrales, en el que cada día se convertía en una práctica chamánica, donde las cartas escritas a cada familiar, tras un ritual, se trasformaban en el soporte de cada retrato. Mi trabajo se centró en la búsqueda y conocimiento de los arquetipos femeninos que, de generación en generación, han llegado hasta mí, conformando mi identidad, y de este modo trascender los mitos limitantes y abrazar los que empoderan. La utilización de los tejidos es un homenaje a las labores que durante años ellas hicieron dentro de los límites del hogar, sin remuneración, alejadas del mundo laboral y del dinero que permite la autonomía y la dignidad. Aplicar esos conocimientos me ha servido para poner en valor y dar visibilidad a lo que de ellas aprendí, dando otra interpretación y utilizando otro contexto, lo público en lugar de lo privado, y, además, se ha convertido en mi modo de vida, lo que me permite ser autónoma y disfrutar de una existencia plena y digna. Hay un techo de cristal que hay que descubrir para poder romperlo, que limita el acceso al mundo laboral, y que en mi caso marcaba los límites del hogar como el inherente a la mujer. Miedos ancestrales y creencias patriarcales obstaculizaban mi acceso al mundo laboral, a la autonomía, al dinero y por consiguiente a una vida digna y plena. Esta obra es un autorretrato sin mi sistema de creencias limitantes. Todos mis diarios han sido convertidos en la pasta de papel que sirve de soporte a la pintura y representa para mí el final y el inicio de una nueva etapa de crecimiento y prosperidad, con las emociones sanadas y en coherencia con la vida. Esta obra no me pertenece, parte de mí para realizar una andadura para seguir creciendo con ideas, experiencias e imágenes tanto mías como ajenas, en este viaje hasta el 2030, para mi progreso y el de las personas que de alguna manera formen parte de él. Crecimiento, prosperidad... vida LEOPOLDINA VALDEMORO JURADO ARTISTA Obra tejida artesanalmente y pintada Hand-made and painted work This work is the end of a project that began in 2016, called "Illustrious Characters of Vélez Málaga, my family and their descendants": a therapeutic artistic work to heal emotions and ancestral heritages, in which each day became a practice shamanic, where the letters written to each family member, after a ritual, were transformed into the support of each portrait. My work focused on the search and knowledge of the female archetypes that, from generation to generation, have come down to me, shaping my identity, and in this way transcending the limiting myths and embracing those that empower. The use of fabrics is a tribute to the work that for years they did within the limits of the home, without remuneration, away from the world of work and money that allows autonomy and dignity. Applying this knowledge has helped me to value and give visibility to what I learned from them, giving another interpretation and using another context, the public instead of the private, and, in addition, it has become my way of life, that allows me to be autonomous and enjoy a full and dignified existence. There is a glass ceiling that must be discovered in order to break it, which limits access to the world of work, and which in my case marked the limits of the home as inherent to women. Ancestral fears and patriarchal beliefs hindered my access to the world of work, to autonomy, to money and therefore to a dignified and full life. This work is a self-portrait without my limiting belief system. All my journals have been converted into the paper pulp that supports the painting and represents for me the end and the beginning of a new stage of growth and prosperity, with healed emotions and in coherence with life. This work does not belong to me, part of me to carry out a journey to continue growing with ideas, experiences and images both mine and others, on this journey until 2030, for my progress and that of the people who are somehow part of it.. Growth, prosperity... life LEOPOLDINA VALDEMORO JURADO ARTIST Escultura interactiva de alambre Una vida para el zapato. La musa, esa caprichosa e inestable Musa, que nos guía en ese momento de la creación. Yo vengo de una industria zapatera y presento lo mejor que pudo dar una industria, un Zapato, creado de aire... vacio, en un material tan sencillo como complejo, una malla de rejilla cuadriculada, que une punto a punto todas las casillas que la conforman, y que, gracias a los visitantes que interaccionan con ella, se ha ido completando con nudos de ideas, pensamientos, dolores, reivindicaciones y sentimientos. El ser humano siempre está dispuesto a colaborar creativa-mente en un objetivo común. Elegí crear una obra con el espíritu de la industria, la innovación e infraestructura....y representé la creación industrial del calzado, un ejemplo de Industria Semicircular, en un sistema lineal, pero sostenible y re-utilizable en el tiempo, aparte de un modelo de innovación continua. El producto en sí no tiene vida final, lo puedes reparar tantas veces quieras, hay zapatos que duran dos vidas, claro está, que esta virtud es debido a los materiales con que se han creado, si usamos materiales perecederos como derivados del caucho, su resistencia a la abrasión no será tan efectiva. Este es el vivo ejemplo de un producto sostenible en el tiempo y reparable. Otro aspecto de las industrias sostenibles es su cercanía, no se puede crear un producto sostenible en un lugar en donde para llegar a su punto final de venta esté en otro continente. Las consecuencias medioambientales, son obvias, solo en polución de carburante para transporte deja el Planeta bien bonito! Los mayores cambios económico-sociales los producen los propios consumidores, así que la gran solución está en nosotros mismos y es tan sencilla como un zapato. Y, dicho esto, caminando sobre mis zapatos, pensé que son necesarias más infraestructuras para conectar personas y ciudades, no se deben escatimar esfuerzos para el desarrollo industrial de un País, porque de esto depende el desarrollo social y personal. Pero no todo vale. Tengamos el referente del zapato, y si es participativo, como éste, mejor. Zapato vivo TONI ANDREU FERRIOL ARTISTA A life for the shoe. The muse, that capricious and unstable Muse, who guides us at that moment of creation. I come from a shoe industry and I present the best that an industry could give, a Shoe, created from air ... empty, in a material as simple as it is complex, a grid mesh, which joins point by point all the boxes that make it up, and that, thanks to the visitors who interact with it, has been completed with knots of ideas, thoughts, pains, claims and feelings. The human being is always willing to collaborate creatively in a common goal. I chose to create a work with the spirit of industry, innovation and infrastructure ... and I represented the industrial creation of footwear, an example of Semicircular Industry, in a linear system, but sustainable and reusable over time, apart from a model of continuous innovation. The product itself has no end life, you can repair it as many times as you want, there are shoes that last two lives, of course, this virtue is due to the materials with which they have been created, if we use perishable materials such as rubber derivatives, their abrasion resistance will not be as effective. This is the living example of a sustainable and repairable product. Another aspect of sustainable industries is their proximity, you cannot create a sustainable product in a place where to reach its final point of sale is on another continent. The environmental consequences are obvious, only in fuel pollution for transport leaves the Planet very beautiful!. The biggest socio-economic changes are produced by the consumers themselves, so the great solution is in ourselves and it is as simple as a shoe. And, having said that, walking on my shoes, I thought that more infrastructures are necessary to connect people and cities, no effort should be spared for the industrial development of a Country, because social and personal development depends on this. But not everything goes. Let's have the reference of the shoe, and if it is participatory, like this one, the better. Live shoe TONI ANDREU FERRIOL ARTIST Interactive wire sculpture Técnica mixta El territorio que pisamos no es un papel, este marco de despoblamiento, donde viven las gentes, sin el agua, la riqueza natural les alcanza, les abruma, les es arrebatada, por una mano enguantada, que otros observan desde la orilla buena, la orilla que no está dentro de un gueto, flotando en mitad del mar, este reflejo que nos alcanza a todos, el que está inmóvil, el que se mueve a merced del viento, de las olas, este metal que no sirve más que para marcar las diferencias, me envenena, te observo y estás lejos, en un tiempo que veía en la infancia, aun estás ahí, bajo el mismo cielo, nada cambia y queremos que todo cambie, yo te estoy viendo en un plano de cristal y electricidad, muy frágil, como tú. Con nombres SANTI ÁLVAREZ-DARDET CEBALLOS ARTISTA Mixed technique The territory we step on is not paper, this depopulation framework, where people live, without water, natural wealth reaches them, overwhelms them, it is taken away, by a gloved hand, which others observe from the good shore, the shore that is not inside a ghetto, floating in the middle of the sea, this reflection that reaches us all, the one that is motionless, the one that moves at the mercy of the wind, of the waves, this metal that only serves to mark the differences, it poisons me, I observe you and you are far away, in a time I saw in childhood, you are still there, under the same sky, nothing changes and we want everything to change, I am seeing you on a plane of glass and electricity, very fragile, like you. With names SANTI ÁLVAREZ-DARDET CEBALLOS ARTIST Escultura bidimensional. Acrílico, tubos y tornillos sobre tabla Amanece de manera Boreal en Ciudad Gema. Temperaturas altas en el medio suelo e infernales en el bajo suelo. Sin previsión de lluvia como hace un año, seis meses, un día, ocho horas y tres segundos. Sigue el cielo con altos niveles de contaminación. Se celebra hoy sábado, el día mundial de nuestra nueva era, el primer aniversario de la Era Quarks. Los Ciudadanos en Gema vienen desde cualquier lugar del universo. Todo el mundo es bienvenido. La unidad de sus conciudadanos crea estabilidad para nuestra salud e intelecto, generando sostenibilidad corporal. Nuevos diagnósticos de evolución. Gema es nuestro núcleo, nuestro centro, lo más parecido al Sol de nuestro sistema. Su energía es lo que llamamos limpia. Pero Gema es mucho más que eso. Expresado con romanticismo histórico, si viviéramos en la antigua Grecia, sería Zeus, Hera, Poseidón, Ares, Hermes, Hefesto, Afrodita, Atenea, Apolo, Artemisa todos unidos a un Oráculo; creando un todo, juicio y sabiduría. Gema nos salvó….En nuestra ciudad hay luz artificial no contaminante para todos. La Luz natural nos la da Gema justamente como la necesitamos. El Agua es potable y perfecta para su consumo. Gema pudo ajustarse para depurarla y producirla gracias a las nuevas artes de Cultivo. Las plantas ya no necesitan que las reguemos, ellas nos proporcionan nueva agua para nosotros. Nuestras viviendas están creadas para cada necesidad y unidad familiar. El espacio, sus muebles, decoración están a la última dentro de cada grupo productivo. Aquí también hay moda, según cada intelecto, para todo estilo. Todos trabajamos, para lo que tenemos mayores facultades. El test sensorial de Gema lo diagnostica, y nos conduce para realizar un buen trabajo. La gente es feliz, trabaja eficazmente, trabaja para los demás, trabaja para Gema. En nuestra ciudad no hay límites ni fronteras. Hoy en día se expande dentro de las necesidades de nuestra gran comunidad, de forma arbitraria pero equilibrada. Nuestra ciudad crece en módulos por encima y por debajo del nivel del suelo. Gracias a Gema estamos salvados de los seísmos y guardados de los fuertes vientos helados y de fuego. Los desechos de nuestra comunidad son completamente reciclados. El sistema de saneamiento esta dentro de las mismas líneas de transporte. Todos nos movemos de igual modo de un lugar a otro, todos y todo, “Traslación”. ¿Recuerdas el primer ensayo hecho en Ginebra en el 2012? Hoy en nuestra civilización todo se transporta así. Desde la puesta en marcha del Tubular Higgs la contaminación en la ciudad descendió un 99.9%…Gema se construyó para darnos sostenibilidad. Gema nació y nació una Nueva Era, un nuevo Hogar. Ciudades utópicas: Ciudad Gema 2030 TONY LARA «ToLARA» ARTISTA Boreal sunrise in Gema City. High temperatures in the middle ground and infernal ones in the low ground. Without rain forecast as a year, six months, one day, eight hours and three seconds ago. The sky continues with high levels of pollution. Today we celebrate Saturday, the World´s Day of our new era, the first anniversary of the Quarks Era. Citizens in Gem come from anywhere in the universe. Everyone is welcome. The unity of its fellow citizens creates stability for our health and intellect, generating bodily sustainability. New evolution diagnoses. Gem is our core, our center, the closest thing to the Sun of our system. Its energy is what we call clean. But Gema is much more than that. Expressed with historical romanticism, if we lived in ancient Greece, it would be Zeus, Hera, Poseidon, Ares, Hermes, Hephaestus, Aphrodite, Athena, Apollo, Artemis all united to an Oracle; creating a whole, judgment and wisdom. Gem saved us ... In our city there is non-polluting artificial light for everyone. Natural light are given to us by Gem just as we need it. Water is drinkable and perfect for consumption. Gema was able to adjust to purify and produce it thanks to the new cultivation arts. Plants no longer need to be watered. Rather, they provide us with new water. Our homes are created for every need and family unit. The space, its furniture, decoration are the latest within each productive group. Here there is also fashion, according to each intellect, for all styles. We all work, for which we do have greater faculties. Gema's sensory test diagnoses us, and leads us to do a good job. People are happy, work effectively, work for others, work for Gema. In our city there are no limits or borders. Today it expands within the needs of our great community, in an arbitrary but balanced way. Our city grows in modules above and below ground level. Thanks to Gema we are saved from the earthquakes and saved from the strong icy winds and fire. The waste from our community is completely recycled. The sanitation system is within the same transport lines. We all move in the same fashion from one place to another, all and everything, "Translation." Do you remember the first essay made in Geneva in 2012? Today in our civilization everything is transported like this. Since the launch of the Tubular Higgs, pollution in the city has fallen 99.9% ... Gema was built to give us sustainability. Gema was born and a New Era was born, a new Home. Utopic Cities: Gema City 2030 TONY LARA «ToLARA» ARTIST Two-dimensional sculpture. Acrylic, tubes and screws on board En el seno de una familia media en España, cada vez se generan más residuos. El leve aumento de la capacidad adquisitiva y los exagerados envases con los que cuentan muchos productos hacen que cada vez produzcamos mayor cantidad de basuras. En mi hogar, donde convivimos cuatro personas que creemos estar concienciadas sobre los serios problemas que afronta la Tierra, generamos el triple de basura, en menos de una semana, de la que se puede ver en esta fotografía. El exceso de una información mal encauzada provoca que una gran mayoría, todavía hoy, no sepa con claridad cómo tratar con los residuos. Qué se puede reciclar y dónde, cómo separar, a quién preguntar… cuestiones que precisan de una mentalidad regeneradora que está aflorando poco a poco. Estamos ante un momento clave, simbolizado en esta obra por el reloj, en el que la Tierra, a través de rosas blancas, nos pide clemencia. Necesita que cuidemos de ella si no queremos acabar comiéndonos la basura que producimos. El excesivo e innecesario ‘packaging’, como el que cubre a una de las hortalizas de la imagen, la enorme cantidad de plástico con la que coexistimos o la basura electrónica son sólo ejemplos de una producción masiva e irresponsable de cada vez menor calidad y más perjudicial para el entorno y para nuestra salud. Un bodegón, una manera clásica de representar a la naturaleza muerta en el arte, en el que te puedes ver reflejado si te acercas. Un bodegón del despilfarro que no está pensado para quedarse en una representación plástica de nuestro mal hacer, sino para provocar en nuestras conciencias las ganas de tener un Mundo mejor. Bodegón del despilfarro JAVIER ZAPATA ARTISTA Fotografía sobre espejo de metacrilato Within an average family in Spain, more and more waste is generated. The slight increase in purchasing power and the exaggerated packaging that many products have make us produce more and more garbage. In my home, where we live four people who believe we are aware of the serious problems facing the Earth, we generate three times the amount of garbage, in less than a week, which can be seen in this photograph. The excess of badly channeled information means that a large majority, even today, do not know clearly how to deal with waste. What can be recycled and where, how to separate, who to ask ... issues that require a regenerating mentality that is slowly emerging. We are facing a key moment, symbolized in this work by the clock, in which the Earth, through white roses, is asking us for mercy. She needs us to take care of her, if we don't want to end up eating the garbage we produce. The excessive and unnecessary 'packaging', such as the one that covers one of the vegetables in the image, the enormous amount of plastic with which we coexist or electronic waste are just examples of a massive and irresponsible production of less and less quality and more and more harmful to the environment and to our health. A still life, a classic way of representing still life in art, in which you can see yourself reflected if you approach. A still life of waste that is not intended to remain in a plastic representation of our evil doing, but to provoke in our conscience the desire to have a better World. Still Life of Waste JAVIER ZAPATA ARTIST Photograph on methacrylate mirror Técnica mixta El agua, que es tan libre y voluptuosa, elige una prisión molecular para vestirse de blancas estrellas y ser la guardiana y carcelera del Agua y la Tierra. La memoria de todos los tiempos, en su cristalina y pétrea esencia, se funde en un crujir de rupturas eternas en su trágica inmersión: el desprendimiento de un iceberg. “El hielo, su prisión elegida” AMESA ARTISTA Water, which is so free and voluptuous, chooses a molecular prison to dress in white stars and be the guardian and jailer of Water and Earth. The memory of all times, in its crystalline and stony essence, merges into an abyss of eternal ruptures in its tragic sinking: the detachment of an iceberg. “Ice, your chosen prison" AMESA ARTIST Mixed technique Instalación Técnica mixta  Plassteidón, ese juego de palabras, que nos evoca al mundo clásico, a la elevación espiritual y sagrada, donde los océanos son dignos de tener uno de los Dioses más transcendentales. Siendo las tres cuartas partes de la superficie terrestre, generando vida, siendo pieza clave de la existencia, purificando y albergando una incalculable biodiversidad, los océanos se ahogan, y no poéticamente, se ahogan en residuos; y de esta realidad emerge Plassteidón, para expresar un Dios oprimido entre deshechos, asfixiado por los plásticos. Desde la madre tierra, desde la profundidad de sus aguas, surge la necesidad de aire, la necesidad de respirar. Brota la contaminación, que intenta deslumbrar en la impregnación del plástico, para decirnos, que estamos destruyendo un pulmón de la humanidad, una fuente de vida, un legítimo derecho del futuro. Plassteidón JORGE URAL Y ADIS ARTISTAS Plassteidon, that pun, which evokes the classical world, the spiritual and sacred elevation, where the oceans are worthy of having one of the most transcendental Gods. Being three quarters of the earth's surface, generating life, being a key piece of existence, purifying and harboring an incalculable biodiversity, the oceans drown, and not poetically, drown in waste; and from this reality emerges Plassteidón, to express a God oppressed among waste, suffocated by plastics. From the mother earth, from the depth of its waters, there is the need for air, the need to breathe. Pollution sprouts, trying to dazzle the impregnation of plastic, to tell us, that we are destroying a lung of humanity, a source of life, a legitimate right for the future. Plassteidon JORGE URAL Y ADIS ARTISTS Installation Mixed technique Serie de acuarelas En un paralelismo simbólico, la obra sintetiza mediante una apreciación visual casi instantánea la realidad que, disuelta en el tiempo y en formas puntuales, puede resultar menos consciente. La utilización del grafito en las láminas III y IV contrasta con los colores de las láminas I y II, queriendo así enfatizar la visión de una realidad descolorida por la escasez de recursos naturales, árboles en este caso, producida por el fenómeno de la deforestación.La lámina I es la más pletórica. Los colores de los árboles principales son intensos; en ella se trata de expresar de la forma más directa posible el calor de la naturaleza. No existe en las pinceladas intención alguna de elaborar algo separado y diferente de ella, aunque inevitablemente ocurra. En la lámina II hay elementos de abstracción, que contienen, de forma consciente, componentes de alteración del realismo, de alejamiento de la naturaleza. Esta separación intencionada es el primer escalón del camino a la desafección, a la falta de unión y de gratitud, en definitiva, a una carencia de amor que puede finalizar en destrucción de la naturaleza y autodestrucción del ser humano.Los trazos de grafito que dibujan los árboles de la lámina III comienzan a expresar el fenómeno de la deforestación, aún existen pinceladas de color, especialmente intensas en el cielo expresando el sentimiento atávico humano de esperanza más allá de su propia fuerza. Finalmente, en la lámina IV se quiere reflejar lo que, en caso de no tomar medidas adecuadas será, está empezando ya a ser, el comienzo del fin para las zonas forestales. Que yo recuerde, nunca he aprendido a dibujar árboles, pero cuando los miro, sé que he pasado mucho tiempo con ellos. Dicen algunos escritores que temen ver la primera hoja en blanco. Ese debe ser el temor que aún siento al colorear, pero me siento y olvido que soy yo quien dibuja, conecto no sé bien a qué y dejo que esa magia fluya.Un día, bien pasadas mi niñez y juventud, comencé a dibujar árboles sin modelo alguno, como si hubieran estado vivos dentro de mí. La implicación con la Naturaleza es una necesidad que, en caso de ser ignorada, traerá consecuencias irreversibles.Y pienso…¿Porqué nadie se detiene a curar las heridas de los árboles? Sin árboles no hay vida ANTONIO GIRÁLDEZ ARTISTA In a symbolic parallelism, the work synthesizes an almost instantaneous visual appreciation the reality that, dissolved in time and in specific forms, may be less conscious. The use of graphite in plates III and IV contrasts with the colors of plates I and II, thus wanting to emphasize the vision of a faded reality due to the scarcity of natural resources, trees in this case, produced by the phenomenon of deforestation. Plate I is the most plethoric. The colors of the main trees are intense; it is about expressing the heat of nature as directly as possible. There is no intention in the brushstrokes to elaborate something separate and different from it and, although it inevitably occurs, it is not perceived by the author. In plate II there are elements of abstraction and as such, they contain, consciously, components of alteration of realism, of distancing from nature. This intentional separation is the first step on the road to disaffection, to the lack of union and gratitude, in short, to a lack of love that can end up in the destruction of nature and self-destruction of human beings. The graphite strokes drawn by the trees on Plate III begin to express the phenomenon of deforestation. In it there are still strokes of color, especially intense in the sky expressing the atavistic human feeling of hope beyond its own strength. Finally, in sheet IV we want to reflect what, in case of not taking appropriate measures, will be, is beginning to be, the beginning of the end for forested areas. As I remember, I have never learned to draw trees, but when I look at them, I know that I have spent a lot of time with them. Some writers say they fear seeing the first blank sheet. That must be the fear I still feel when coloring, but for the drawing, I just have to sit down and forget that it is I who draws, connecting, I don't know what and let that magic flow. One day, well past my childhood and youth, I began to draw trees without any model, as if they had been alive within me and had woken me up from a dream or another era, flowing in a natural and impossible way to twist: they were like that,I did not even want to draw them any other way. They came out of me like the air I exhaled in each breath. The implication with Nature is not a fashion or any form of social or political activism. It is simply a necessity that, if ignored, will bring irreversible consequences.The process of creating art from elements of Nature often leads to a union with it of a nature beyond the purely physical, transcending the perception of what is closest to us. Why does nobody stop in order to heal tree wounds? Without trees there is no life ANTONIO GIRÁLDEZ ARTISTA Watercolor series Tenía que hacer algo basado en la paz, la justicia y las instituciones sólidas…. Como solidez pensé en un árbol, donde está un nido que es la paz, que tiene como techo unas hojas de olivo que representan la justicia. Esta escultura es única sin empleo de molde, hecha en bronce a mano pieza por pieza terminada en pátinas verdes. Porque sólo hay una manera de alcanzar la Paz: con Justicia e instituciones sólidas, que son la raíz de la que nace el árbol de la vida. Raíz de paz PACO PARRA ARTISTA Escultura en bronce tallada pieza a pieza Carved bronze sculpture piece by piece I had to do something based on peace, justice and strong institutions…. As solidity I thought of a tree, where is a nest, that is peace, which has a roof, some olive leaves which represent justice. This sculpture is unique without the use of a mold, made in bronze by hand piece by piece, finished in green patina. Because there is only one way to achieve Peace: with Justice and solid institutions, which are the root of the tree of life. Root of Peace PACO PARRA ARTIST Siempre me ha llamado la atención el hecho histórico, prehistórico más bien, del establecimiento de grupos humanos en número reducido. En ese pequeño grupo todos y cada uno de los miembros era necesario para la subsistencia, no había nadie que jugase un papel predominante por esa misma razón: si cualquiera de alguno de ellos fallaba, el grupo entero podría ver comprometida su seguridad y supervivencia. Lejos de esos primeros andares de la existencia humana, el desarrollo social permitió que aflorasen individualidades cuyos propios intereses se anteponían en detrimento de los de la comunidad, del interés común. Así ha transcurrido la vida durante muchos siglos. Ahora gracias a la red global que los medios tecnológicos han permitido crear, el mundo ha vuelto a hacerse pequeño, nos enteramos de cualquier suceso segundos después de que haya ocurrido en cualquier parte del mundo y, mejor aún, podemos tomar acciones para ese pequeño-gran grupo que es la humanidad. Ahora, igual que en la prehistoria, se trata de una responsabilidad común la participación de cada miembro del planeta en el cuidado y la reparación de los daños que le hemos infringido. Ahora, no amenaza la existencia del grupo al ataque de fieras salvajes sino algo mucho peor: la destrucción de su hábitat. Una responsabilidad que en caso de no ser asumida acabará inevitablemente con la vida. La obra “Al unísono” desea expresar la fuerza que tiene la unión de todos los seres humanos frente al daño infringido: una llaga de color rojo vivo como si en el interior de nuestra madre Tierra corriese la sangre que es suturada por el esfuerzo común. Sólo con ese esfuerzo común y dejando de lado los intereses individuales lograremos alcanzar los objetivos. Las nubes oscuras reflejan la dificultad del proceso, pero al fondo, en una perspectiva central, puede verse la claridad de la esperanza. Al unísono MARÍA DOLORES MATEOS-NEVADO ALONSO ARTISTA Acrílico sobre lienzo I have always been struck by the historical fact, rather prehistoric, of the establishment of human groups with small numbers. In a small group each and every one of the members was necessary for subsistence, there was no one to play a predominant role for that same reason: if any of them failed, the entire group could be compromised their safety and survival. Far from these first walks of human existence, social development allowed the emergence of individuals whose own interests were defended at the expense of those of the community, of the common good. In that way life has gone by for many centuries. Now thanks to the global network that technological media have created, the world has become small again, we learn of any event seconds after it has happened anywhere in the world and, better yet, we can take actions for that small-big group that is humanity. Now, as in prehistory, it is a common responsibility the participation of each member of the planet in the care and repair of the damages that we have infringed. Now, it does not threaten the existence of the group the attack of wild beasts, but something much worse: the destruction of our habitat. A responsibility that, if not assumed, will inevitably end life. The work “In unison” wishes to express the strength that the union of all human beings has against the damage inflicted: a red-colored sore as if the blood that is sutured by the common effort runs through our mother Earth. Only with a common effort and leaving aside individual interests will we achieve the objectives. Dark clouds reflect the difficulty of the process but in the background, in a central perspective, the clarity of hope can be seen. In Union MARÍA DOLORES MATEOS-NEVADO ALONSO ARTISTA Acrylic on canvas Artistas del Proyecto de Arte Armazón Cartel Agenda 2030. Yolanda Pérez ODS 1 EL fin de la pobreza. Eliana Muñoz ODS 2 Hambre 0. José Pedro Aznárez López ODS 3 Salud y bienestar. Jesús Medina ODS 4 Educación de calidad. Lola Álvarez-Dardet ODS 5 Igualdad de género. Mujeres Dos Rombos ODA 6 Agua limpia y saneamiento. Pepe Yagües ODS 7 Energía asequible y no contaminante. Alberto Cerezo ODS 8 Trabajo decente y crecimiento económico. Leopoldina Valdemoro ODS 9 Industria, Innovación e Infraestructura. Toni Andreu ODS 10 Reducción de las desigualdadess. Santi Álvarez-Dardet ODS 11 Ciudades y Comunidades sostenibles. Tony Lara "ToLARA" ODS 12 Producción y Consumo responsables. Javier Muñoz Zapata ODS 13 Acción por el clima. Amesa ODS 14 Vida Submarina. Jorge Ural y Adis ODS 15 Vida y Ecosistemas terrestres. Antonio Giráldez ODS 16 Paz, Justicia e Instituciones sólidas. Paco Parra ODS 17 Alianzas para lograr los ODS. María Dolores Mateos-Nevado Alonso Margarita Asuar Comisaria del Proyecto de Arte Armazón Artists from the Armazon art project Poster 2030 Agenda. Yolanda Pérez SDG 01 The end of poverty. Eliana Muñoz SDG 02 Hunger 0. José Pedro Aznárez López SDG 03 Health and well-being. Jesús Medina SDG 04 Quality education. Lola Álvarez-Dardet SDG 05 Gender equality. Mujeres Dos Rombos SDG 06 Clean water and sanitation. Pepe Yagües SDG 07 Affordable and non-polluting energy. Alberto Cerezo SDG 08 Decent work and economic growth. Leopoldina Valdemoro SDG 09 Industry, Innovation and Infrastructure. Toni Andreu SDG 10 Reduction of inequalities. Santi Álvarez-Dardet Ceballos SDG 11 Sustainable Cities and Communities. Tony Lara "ToLARA" SDG 12 Responsible Production and Consumption. Javier Muñoz Zapata SDG 13 Climate action. Amesa SDG 14 Underwater Life. Jorge Ural y Adis SDG 15 Life and Earth Ecosystems. Antonio Giráldez SDG 16 Peace, Justice and Strong Institutions. Paco Parra SDG 17 Partnerships to achieve the SDGs. María Dolores Mateos-Nevado Alonso Margarita Asuar Curator Armazon Art Project TWITTER @armazon2030 Istagram armazon_2030 www.armazon2030.com #TiempoDeActuar #TimeForAction #armazon2030